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Call for papers 2021-2022 : Instituting the collective in creation

                                  Instituting the collective in creation :                               between discourse and practice
Université Rennes 2, France
Call for papers

The following text is a shortened and translated version from the French call for papers. Please find the original version here : [https://laboalef.hypotheses.org/926].

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Continuing the research carried out by ALEF about the articulation between archives and work and in the forms of investigation, this new seminar focuses on the configurations of artistic, literary and architectural collective creation.

Questioning the historical development of creative autonomy, as well as its consequences in terms of axiological promotion of the field, have already being explored in several theoretical and critical disciplinary works, leading to new methodologies, problematical and perspectives concerning the notion of collectives in arts. An extensive literature covers a wide range of case studies, terms and notions allowing us to explore the emerging contexts, modes of existence and shared creative practices paradigms1.

The purpose of this seminar is to question what collective creation implies in arts and literature, going further than the simple opposition between collective and individual creation. It aims at highlighting relations between artistic activities and social structures by questioning what establishes collective creation rather than doing an inventory about artistic collaborations or cooperation. In this perspective, the focus is on the how collective practices define collective spaces, as well as their forms, determining the conditions to the production of a collective creation.

In this scenario several questions emerged about how do people connect, in a particular way that will define their singularity and differentiate them from other groups. If « noticing the effects of connected action leads one to reflect upon the connection itself2 », such an approach allows the understanding of collective creation’s production by analyzing the results on the interrelations and mutual influences established between the elements constituting the collectives, including its individuals.

The theory underlying this seminar have its origins in the works carried out by the Group of Aesthetics Researches at the CNRS in the early 1980s. Their multidisciplinary approach meant to realize a poetic study of collective creation, centered on the « establishment process » in order to « identify the specific modes of establishing when the promoter agent […] is a group, or even a society3 ». Going a step further than a simple update of definitional or typological issues, such as the one by René Passeron from the syntagm « collective creation », this seminar proposes to take a step aside. Following this perspective, which is primarily fixed on the forms of the collective and their configurations in the artistic creation, this distinction privileges « modalité instituante » rather than the « modalité instauratrice* ». This shift is significant if we consider the concept of institution as « the collective’s mode of being [and] the ways in which the collective presents itself4 » in its exclusiveness. Even if this is not a semantic relegation of the research coordinated by Passeron, it stands for a new perspective based on the assumption that collectives only exist in their own institutions. That leads us to focus on the « holding together » or the « between » when the act of gathering institutes a force that maintains the jurisdiction of  different parts. The title of this seminar suggests an exploration of the connections between collectives and creations from an institutional point of view. It aims to go beyond the idea of collective work  as the association of talents and skills through a simple process. On the contrary, it includes its failures, difficulties and resistances5.

Open to all disciplines and all types of media, this new ALEF seminar cycle’s purpose is to explore these different perspectives. The seminar will have seven sessions, each one focusing on a specific aspect.

*These terms refer to French philosophical meanings. It is possible to read the call in French with the following link [https://laboalef.hypotheses.org/926].

 

Session 1. Apprehending collective creation

Questioning collective creation implies a confrontation in an extremely wide array of approaches and lexical fields. The term itself conjures up different geographic and historic contexts and fluctuates according to the groups it refers to. Facing the richness of its referents, this session proposes to question the research practices concerning the articulations of collectives in arts. It will question the constitution of lexical fields related to groupings and cooperation in artistic creation, but also to which particular conceptions these latter refer.

 

Session 2. Holding together

This session will tackle the processes of gathering and structuring, how their various components articulate and how their mutual connections establish a consistent organization in the manner of « heterogeneous elements holding together6 ». The objective is to focus on the operations that produces this collective configurations as a consolidation of the components in their interrelation, thus determining the existence of specific collective beings and forms.

 

Session 3. Mobiles and motifs* of collectives

Each way of constituting collaborations in arts implies specific objectives. This session aims at exploring what leads into gathering and what are the founding, conceptual and working shapes of such initiatives. 

Motives can refer both to efficient causes that allow to create collectives as well as to its goals in a way similar to final causes. As such they question the evolving relationship between means and ends. Considering this twofold angle will allow a closer look at dialectical interdependencies and mutual influences between these two aspects.

*These terms refer to French philosophical meanings. It is possible to read the call in French with the following link [https://laboalef.hypotheses.org/926].

 

Session 4. Identities and auctorialities

This session deals with the different reflections that may emerge on the tensions between authorship and the notion of collective. Disposing of reductive conceptions opposing individual and collective creations is a starting point aiming at analyzing how heterodox forms and answers provide different thoughts and experiments regarding authorial forms. In other words, the session will question the ways in which collaborations can establish new readings and understandings of artistic identities. 

In addition, it will reflect on the articulations between collectives and individuals, including how the latter integrate, have an impact, demonstrate their resilience or terminate their involvements.

Finally, how to analyze and define these « modes of collective existences of the work7 ». How do we understand the work of curators in mediating ephemeral artworks8?

 

Session 5. The modalities of expression of the collective

After having focused on the internal conceptions and organizations inside the process of gathering itself, the next step will question how collective forms of representation interact and generate particular relations with what is exogenous to it. The purpose of this session is to tackle how collective identities are claimed though material, sensitive and discursive productions. Studying these different kinds of expression intends to define how collective identities emerge through various activities and beings along collaborative creative processes. For example, we can focus on the closing credits9 in visual arts. 

 

Session 6. Reconstitute the collective

This session will address critical discourses that redistribute contributions and collaborations in creation. It is based on works that reevaluate current authorial stable forms by taking connections and contributions part of the artistic identity as subject of their enquiry. Broadening the definitions of collective creation leads the way to an examination and identification of groups or communities that do not necessarily make their collaborative experiences public. Extending the boundaries of the collective’s notion in art allows us to apprehend and think about collective creation where it is not necessarily claimed10.

In this perspective, the historical and critical approaches of the discourses on arts that configure groups, movements and genres by bringing together or assembling works according to common criteria could be questioned11.

The point is to reflect on the collectives’ borders, even on its own tensions between what is considered an obvious subjective signature and style that refers to a more complex array of elements within the artwork by putting the emphasis on the notion of attribution12.

 

Session 7. Creating the common: the configurations of collective creation

This final session will be dedicated to contributions from practitioners and artists in order to confront issues outlining this seminar with testimonies of experiences and initiatives of collaboration in art. Artistic collectives will be invited to share their own thoughts on one or more elements from the axes and sessions introduced in this call for papers.

The suggested topics, but not limited to, are:

  •  Way(s) of making common worlds;
  • Organization and mutualization;
  • The individual’s place and the collective strength;
  • Sharing responsibility within the collective;
  • Building collaboration spaces;
  • Temporalities of a collective creation;
  • The « group dynamic » in question.

 

Submissions
Your submission containing a 250 word abstract is to be emailed to labo.alef@gmail.com before October 15th, 2021.

Note : The seminar is being rescheduled for January 2022. The deadline for proposals is extended to October 31, 2022.

Practical information

      • Languages of the seminar : French and English.
      • Speeches will last from 30 to 45 minutes.
      • Calendar : The sessions will take place the second Friday of each month from 2 p.m. to 5 p.m.
      • Given the current sanitary crisis, the seminar sessions might be partially or entirely held online.

Scientific board  & Organizing committee

Sophie Barel, Priscilla Bittencourt-Biassi, Marie Druais, Alexandre Dupont, Dandelion Epaud, Élodie Le Beller, Lola Lorant, Sophie Lorgeré, Claire Pujol.
Head of seminar : Alexandre Dupont

Bibliographical notes

1 Goudinoux Véronique, Œuvrer à plusieurs : regroupements et collaboration entre artistes, Villeneuve d’Ascq, Presses Universitaires du Septentrion, 2015.
2 Dewey John, Le public et ses problèmes, Paris, Gallimard, coll. « Folio Essais », 2015.
3 Passeron René (dir.), La création collective, Paris, Éditions Clancier-Guénaud, 1981.
4 Lordon Frédéric, Vivre sans ?, Paris, La Fabrique Éditions, 2019.
5 Rogoff Irit, « Production Lines » in : Castelli Sundell Nina & Sollins Susan, Team Spirit, New York, Independant Curators, 1990.
6 Deleuze Gilles et Guattari Félix, Capitalisme et schizophrénie 2. Mille plateaux, Paris, Éditions de Minuit, 1980.
7 Passeron René (dir.), op.cit..
8 Bolter Jay David, Grusin Richard, Remediation, Understanding New Media, Cambridge, MIT Press, 2000.
9 Tylski Alexandre, Le générique de cinéma. Histoire et fonctions d’un fragment hybride, Toulouse, Presses Universitaires du Mirail, 2008.
10 Stillinger Jack, Multiple Authorship and the Myth of Solitary Genius, New York, Oxford University Press, 1991.
11 Passeron René (dir.), op.cit.
12 Chadwick Victor, De Courtivron Isabelle (dir.), Significant others : Creativity and Intimate Partnership, Londres, Thames & Hudson, 1993.


ALEF Research group 

This seminar cycle is run by the interdisciplinary research group ALEF (Arts-Literature-Exchanges-Borders) founded in 2011 by PhD candidates from the CELLAM (Center for the Study of Ancient and Modern Languages and Literatures), APP (Arts: Practices&Poetics), HCA (Arts History and Criticism) and PTAC (Practices&Theories of Contemporary Art) laboratories. ALEF’s objective is to conduct interdisciplinary research, confronting and crisscrossing different methodologies and bibliographic bases. Starting from a common trans-disciplinary notion, it intends to observe methodological and theoretical shifts between the different disciplines part of the research group activities, in order to overcome disciplinary divergences as well as consider issues through a crosscutting perspective.

As a result of previous research cycles, two publications have been produced by the successive members of ALEF : « Archive(s)&création(s) » in 2019 and « L’Enquête en partage et ses forces diagonales », currently in progress.

 

 

Appel à communication séminaire 2021-2022 : Instituer le collectif dans la création

Instituer le collectif dans la création : entre discours et pratiques

 

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Dans la continuité des recherches menées consécutivement par ALEF sur l’articulation entre l’archive et l’œuvre puis sur la notion d’enquête, ce nouveau séminaire prend pour objet les configurations du collectif dans la création artistique, littéraire et architecturale.

La mise en question de l’autonomie créatrice dans son développement historique ainsi que ses conséquences en termes de promotion axiologique du sujet, fut la préoccupation de plusieurs travaux théoriques et critiques disciplinaires faisant émerger de nouvelles méthodologies, problématiques et lectures relatives à la notion du collectif dans les arts. Une littérature riche qui déploie un large éventail de cas d’études, de termes et de notions afin de penser les contextes d’émergence, les modes d’existence et les enjeux de l’activité conjointe lorsqu’il s’agit d’ « œuvrer à plusieurs[1]».

Au-delà d’une approche qui viendrait établir une opposition simpliste entre création collective et individuelle, il s’agira de questionner plus spécifiquement ce qu’engage la notion de collectif dans les arts et la littérature. Plutôt qu’une investigation visant à répertorier toute manifestation de collaboration ou de coopération qui confinerait à une sorte de quête encyclopédique titanesque et toujours lacunaire, le point d’entrée de notre réflexion se cristallise sur les relations entre l’activité artistique et la structure sociale qui constitue le collectif. Dans cette perspective, le séminaire se concentrera sur les manières dont les modalités pratiques de l’activité commune délimitent et définissent l’espace du collectif, mais également comment celles-ci déterminent des modalités opératoires spécifiques qui permettent d’établir les conditions de production pour des formes pouvant relever d’une création collective.

Dans cette volonté de dépasser l’unique constat des conditions selon lesquelles des individus s’associent, il se dessine l’enjeu majeur suivant : celui d’observer comment ils en viennent à être connectés d’une manière particulière qui attribue aux formes collectives des traits caractéristiques les distinguant de configurations différentes. En effet, si « remarquer les effets de l’action connectée pousse à réfléchir sur la connexion elle-même[2] », une telle démarche ouvrirait ainsi la voie vers une compréhension de ce que produit l’activité conjointe, à partir d’un examen sur les conséquences des interrelations et des influences réciproques, entre les individus ou les éléments constitutifs du collectif.

La réflexion dont ce texte de cadrage se fait l’écho, se structure aussi dans une volonté de dialogue avec les travaux menés par le Groupe de Recherches d’Esthétique du CNRS au début des années 1980. La démarche de confrontation pluridisciplinaire qui visait à réaliser une étude poïétique de la création collective centrait alors l’attention sur le processus d’instauration, en vue de « repérer les modalités spécifiques de cette instauration quand l’agent promoteur […] est un groupe, voire une société[3] ». Afin de s’émanciper d’une stricte réactualisation des problématiques définitionnelles ou typologiques telles que posées par René Passeron à partir du syntagme « création collective », ce séminaire propose d’opérer un pas de côté. Suivant notre perspective qui se fixe en toute première instance sur les formes du collectif et leurs configurations dans la création artistique, cette distinction dans l’approche conduit à substituer l’idée de modalité instauratrice pour privilégier un intérêt sur celle de modalité instituante. Un déplacement qui n’est pas anodin si l’on envisage le concept d’institution comme « le mode d’être même du collectif [et] le mode sous lequel se présente le collectif[4] » dans son exclusivité. Ainsi, ce glissement sémantique ne procède pas d’une relégation des travaux coordonnés par Passeron mais soumet plutôt l’éventualité d’un changement de regard. Celui qui assume un postulat selon lequel le collectif n’existe que dans ses institutions, poussant ainsi à se concentrer le « tenir ensemble » ou le « situer entre » lorsque les opérations du rassemblement instituent une force qui maintient sous son ressort les différentes parties constitutives du collectif.

Penser l’articulation entre le collectif et la création à partir de l’institutionnel, voici ce que le titre de ce séminaire suggère comme piste à explorer — au-delà des limites d’une compréhension de l’association comme rassemblement de talents et de compétences par un processus simple, mais également dans la manifestation de ses échecs, ses difficultés et ses résistances[5].

Ouvert à toutes les disciplines et tout type de média, l’objet de ce nouveau cycle de séminaire ALEF (Novembre 2021-Juin 2022) sera donc d’arpenter ces pistes de réflexions, en se focalisant sur plusieurs axes déployés dans sept séances :

 

Séance 1. Appréhender la création collective

Interroger la création collective implique une confrontation à un prisme extrêmement large d’approches et de champs lexicaux, le terme pouvant révéler des différences très contextuelles à la fois définies géographiquement et historiquement ainsi que par le groupe auquel il se réfère. Comment se saisir alors de la création dans sa dimension collective ? Face à la richesse variée de ses référents, cette séance propose d’interroger les pratiques de recherche qui travaillent les notions à l’œuvre portant sur l’articulation du collectif dans les arts. Il s’agira de questionner la constitution des champs lexicaux relatifs aux regroupements et aux coopérations dans la création artistique, mais également à quelles conceptions particulières ces dernières renvoient. Qu’est-ce que créer à plusieurs ? Comment le principe de collectif en art est déterminé dans l’histoire, quelles spécificités disciplinaires implique-t-il et quelles variations peut-on observer ? Pour le chercheur, quelles méthodologies établir pour qualifier et rendre compte des pratiques collectives en art ? Est-il possible de développer une approche transversale et critique qui s’émancipe de l’étude de cas ?

 

Séance 2. Mettre ensemble

Entendu comme manière d’instituer le collectif, cette séance proposera de traiter des activités de rassemblement. Il s’agira en effet d’interroger les processus d’agencement et les façons dont s’articulent ensemble les différentes composantes d’un regroupement, c’est-à-dire comment les connexions réciproques entres ses parties établissent une consistance, à la manière « d’un tenir-ensemble d’éléments hétérogènes[6] ». L’enjeu est alors de porter l’attention sur les opérations par lesquelles sont produits ces agencements collectifs en tant que consolidation des composantes dans leur interrelation, déterminant ainsi l’existence d’ensembles et de formes collectives spécifiques.

Comment les facteurs de rassemblement déterminent-ils les attributs constitutifs du collectif ou de la collection ? Comment concevoir les notions de tension et de frontière qu’entretient le territoire du collectif avec son milieu d’émergence ? Plus encore, comment examiner les relations entre les formes de la création collective et le contexte socio-politique auquel elles peuvent se confronter ?

Dans la perspective d’interroger les modalités d’interaction établies entre les membres du collectif qui conditionnent la production, quelle analyse peut-on faire des systèmes de notation en art ? Saisis comme moyen de compréhension mutuel et langage commun d’aide à la création, comment instituent-ils des espaces transactionnels lorsque les œuvres dépassent l’implication de plus d’une personne, discipline ou savoir-faire ? Dans le cas du collectif occasionnel qui se forme par l’intermédiaire d’un agent facilitateur, comment analyser son activité visant à établir une relation particulière avec et entre les contributeurs en fonction du projet artistique ou des ambitions esthétiques ? Quelles formes prennent ces « opérateurs organisationnels » et comment procèdent-ils pour mettre ensemble ? Comment assurer la rencontre de contenus hétéroclites provenant d’artistes ou d’auteurs différents afin d’établir une unité d’ensemble qui dépasse la juxtaposition ?

 

Séance 3. Mobiles et motifs du collectif

La pluralité des formes de collaboration en art implique tout autant de raisons d’existence et d’objectifs de leur constitution. Aussi, l’enjeu de cette séance portera sur ce qui est moteur dans l’institution du collectif et la manière dont cela caractérise sa conception, son fonctionnement interne et la création. À travers les deux notions de mobile et motif, il s’agira d’observer comment leurs rapports d’interdépendance permettent une détermination mutuelle. Selon cette double entrée les mobiles renvoient aux causes efficientes, portant ainsi une attention particulière sur les causalités qui instituent le collectif tout en se transformant en lui de manière partielle ou totale. Quant aux motifs, ils sont à comprendre comme les fins en tant que but du rassemblement et tout en même temps son achèvement. Les motifs correspondent alors à ce qui meut l’institution du collectif, dans un acceptation proche des causes finales en ce qu’elles interrogent le rapport d’adaptation entre les moyens et les fins. Une perspective qui permet de saisir le motif comme l’explication des moyens par la représentation du but à atteindre, quand bien même il n’aurait jamais été réalisé.

Comment le collectif configure-t-il un contexte de création particulier et comment ces modes d’organisation collectifs engendrent-ils des pratiques artistiques et des propositions esthétiques caractéristiques ? Une attention pourra être accordée à l’adéquation ou la décorrélation entre les mobiles et motifs des collectifs en art relevant notamment de revendications idéologiques. Bien que leurs raisons d’existence ne soient pas toutes animées par une entreprise de subversion ou de contestation, quelles finalités le collectif peut-il manifester afin d’établir un nouveau cadre de pratiques en vue d’échapper aux limites d’une conjoncture défavorable ? Qu’est ce que le collectif défie alors lorsque ses motivations constituent une remise en cause voire une opposition active de ce qui devient extrinsèque à sa structure ? Qu’il s’agisse de formes artistiques requérant déjà l’unité d’un groupe de travail ou non, quelles motivations peuvent conduire à établir des modes d’organisation ou des méthodes alternatifs ?

 

Séance 4. Identités et auctorialités

L’objet de cette séance s’attachera à traiter les différentes réflexions qui peuvent émerger sur les tensions entre l’auctorialité et la notion de collectif. Prenant comme point de départ une volonté de sortir des conceptions réductrices qui opposent création individuelle et création collective, il s’agira d’analyser comment des formes et des réponses hétérodoxes proposent de penser ou d’expérimenter différemment les formes auctoriales. Autrement formulé, la séance interrogera les manières dont les collaborations peuvent établir de nouvelles lectures et compréhensions de l’identité artistique. Par cette approche il s’agira également de réfléchir sur l’articulation entre le collectif et l’individu, notamment à l’intégration de ce dernier, son impact, sa dissolution et sa résilience au sein d’un réseau d’acteurs œuvrant à un objectif commun.

Comment la collaboration configure-t-elle l’identité artistique, par quels processus plusieurs subjectivités individuelles peuvent-elles converger vers l’émergence d’une subjectivité composite ? Par quels moyens des créations expriment-elles une mise à l’écart, un abandon ou une redistribution de la paternité de l’œuvre afin d’ouvrir l’auctorialité à une définition plurielle ? Comment qualifier alors les identités émergeant de coopérations en art ? D’un autre côté, comment appréhender les collectifs au sein desquels les signes de la personnalité et de la subjectivité sont volontairement effacés au profit de l’émergence d’une nouvelle identité collective ?

Quand l’acceptation de la notion de collectif s’étend à la participation du public, comment évaluer les participations spectatorielles spécifiques à ces démarches artistiques ? Lorsque le public s’empare de la création, comment analyser et définir ces « modes d’existences collectives de l’oeuvre[7] » ? Par prolongement, une attention pourra être portée sur les pratiques collectives et ouvertes qui remettent en question la conception d’œuvre finie, assimilable à une source unique et garantissant un ensemble homogène, sinon cohérent. Devenant facteur d’inachèvement, la collaboration artistique ouverte développe une sédimentation de contribution dans le temps dont les œuvres se situent au croisement entre l’instantané et le long terme. Enfin, comment appréhender les interventions opérées par les curateurs et archivistes sur les créations aux caractères éphémères, instables et sujettes à l’obsolescence dans une visée de conservation ou de re-médiation[8?

 

Séance 5. Les modalités d’expression du collectif

Après s’être concentré sur les conceptions et les organisations internes des rassemblements, il s’agira désormais d’aborder comment leurs formes de représentation tissent des relations particulières avec ce qui est exogène au collectif. L’intention pour la séance est de s’intéresser aux manières dont les collectifs en art se revendiquent par une production matérielle, sensible et discursive. En interrogeant ces éléments signifiants de l’existence et de l’activité du collectif, l’étude des modalités d’expression propose de penser les façons dont les groupes déterminent leurs propres processus de création collaboratifs et comment cette définition se manifeste dans la pratique artistique.

Comment des œuvres expriment-elles ou prennent-elles pour objet de représenter la création collective ? Quels discours portent-elles sur la dimension collective de la création ? Comment évaluer la fonction ainsi que la pérennité des textes et des œuvres qui véhiculent des formes de manifestes ou de discours programmatiques collectifs ? Le travail artistique ne revenant plus seulement à produire des objets mais également à établir les cadres, contextes et situations qui permettront d’en faire une expérience, une attention pourra être accordée sur les expositions en tant que modalité spécifique d’expression du collectif. Comment le commissariat d’exposition fabrique-t-il un discours et participe-t-il de la formation d’un groupe, instituant une entité collective selon des critères de sélection et des pratiques muséographiques. Qu’il passe par un intermédiaire ou directement par un groupe constitué, comment se construit ce discours propre à l’exposition et quelle est sa portée ? Quel regard accorder aux pratiques documentant la création, participent-t-elles d’une extension à plus large mesure de la constitution d’une énonciation collective ? Dans la pluralité de ses formes et de ses usages, les enjeux relatifs à « l’objet générique[9] » pourra également faire l’état de questionnements en tant que matrice, inscription et lieu de mémoire du collectif.

 

Séance 6. Retisser le collectif

À partir des travaux qui opèrent une réévaluation des auctorialités stables par la recherche des relations et des apports qui concourent à construire l’identité artistique, il s’agira de s’intéresser aux discours critiques qui viennent redistribuer les contributions et les collaborations dans la création. Élargir les définitions de la création collective ouvre ainsi la voie à un examen et une identification des groupes ou des communautés qui ne rendent pas nécessairement publiques leurs expériences de collaboration. Ainsi, cette extension des frontières de la notion de collectif en art permet d’appréhender et penser la création collective où elle n’est pas forcément revendiquée[10]. Reprenant les propos de René Passeron qui déclare que « l’emprunt est dans le temps comme dans l’espace, une sorte de collaboration[11] », comment penser des filiations, des enchevêtrements et des lignées qui reconfigurent des lectures de la création artistique par un regard rétrospectif, la redéployant dans une histoire collective ?

Quelle place accorder aux collaborateurs invisibles et quel statut attribuer aux techniciens fréquemment qualifiés comme des assistants, malgré parfois un apport décisif ou une collaboration de longue durée avec un artiste dont l’attribution de l’œuvre lui est bien souvent exclusive ? Comment le travail du chercheur en art permet-il une redistribution des auctorialités discrètes[12] ? Comment ce même chercheur vient-il proposer une lecture venant « re-collectiviser » la création artistique ?

Peut-on penser le collectif qui n’a pas conscience de lui-même, quelles méthodes développer pour construire un tel objet d’étude et comment le qualifier ? Dans cette perspective, une approche historique et critique des discours sur l’art venant configurer des groupes, des mouvements et des genres par le rapprochement ou la réunion d’œuvres selon des critères communs, pourrait être interrogée. Enfin, quels peuvent être les apports de réévaluer la création artistique par le prisme de son inscription dans un tissu de collaboration ? Une telle entreprise n’est-elle pas encline à investir la notion de collectif d’une considération étendue qui participe à déconstruire toujours davantage la figure d’artiste individuel ?

Privilégiant par cette démarche la notion d’attribution, il s’agira de réfléchir dans le cadre du collectif aux frontières voire aux tensions entre la signature entendu comme caractéristique d’une subjectivité explicite et le style, qui renvoie à un déploiement plus complexe d’éléments au sein des œuvres.

 

Séance 7. Créer le commun : les configurations de la création collective

Cette ultime séance sera dédiée aux contributions de praticiens et d’artistes, s’inscrivant dans une volonté de confronter les questionnements structurant le séminaire avec des témoignages d’expériences et d’initiatives de collaboration en art. Il s’agira pour des collectifs artistiques de proposer un retour réflexif à partir d’un ou plusieurs éléments soulevés dans les axes et les séances de l’appel à communication.

D’autres pistes corrélatives peuvent néanmoins être abordées et traitées, telles que :

  • Manière(s) de faire des mondes communs
  • Organisation et mutualisation
  • La place de l’individu et la force collective
  • Partage de la responsabilité au sein du collectif
  • Construire les espaces de la collaboration
  • Les temporalités d’une création collective
  • La « dynamique de groupe » en questions

 

Nous proposons aux chercheurs intéressés pour intervenir dans l’une des séances, de nous adresser par e-mail (labo.alef@gmail.com) une proposition de communication de 1500 signes espaces compris au maximum. La date limite pour le dépôt des propositions est fixé au vendredi 24 septembre. Les séances de séminaire se dérouleront, dans la mesure du possible, le deuxième vendredi de chaque mois de 14h à 17h à l’Université Rennes 2. Les interventions dureront 30 à 45 minutes.

Note : Le lancement du semaine étant décalé à janvier 2022, la date limite des propositions est étendue jusqu’au 31 octobre.

Comité scientifique : Sophie Barel, Priscilla Bittencourt-Biassi,        Marie Druais, Alexandre Dupont, Coraline Epaud, Élodie Le Beller, Lola Lorant, Sophie Lorgeré, Claire Pujol.

Responsable du séminaire : Alexandre Dupont


Notes bibliographiques

  1. Goudinoux Véronique, Œuvrer à plusieurs : regroupements et collaboration entre artistes, Villeneuve d’Ascq, Presses Universitaires du Septentrion, 2015.
  2. Dewey John, Le public et ses problèmes, Paris, Gallimard, coll.            « Folio Essais », 2015.
  3. Passeron René (dir.), La création collective, Paris, Éditions Clancier-Guénaud, 1981.
  4. Lordon Frédéric, Vivre sans ?, Paris, La Fabrique Éditions, 2019.
  5. Rogoff Irit, « Production Lines » in : Castelli Sundell Nina & Sollins Susan, Team Spirit, New York, Independant Curators, 1990.
  6. Deleuze Gilles et Guattari Félix, Capitalisme et schizophrénie 2. Mille plateaux, Paris, Éditions de Minuit, 1980.
  7. Passeron René (dir.), op.cit..
  8. Bolter Jay David, Grusin Richard, Remediation, Understanding New Media, Cambridge, MIT Press, 2000.
  9. Tylski Alexandre, Le générique de cinéma. Histoire et fonctions d’un fragment hybride, Toulouse, Presses Universitaires du Mirail, 2008.
  10. Stillinger Jack, Multiple Authorship and the Myth of Solitary Genius, New York, Oxford University Press, 1991.
  11. Passeron René (dir.), op.cit..
  12. Chadwick Victor, De Courtivron Isabelle (dir.), Significant others : Creativity and Intimate Partnership, Londres, Thames & Hudson, 1993.

Ce cycle de séminaire est organisé par le groupe de recherche interdisciplinaire ALEF (Arts-Littérature-Échanges-Frontières) constitué depuis 2011 par la rencontre des doctorants issus des laboratoires CELLAM (Centre d’Étude des Langues et Littératures Anciennes et Modernes), APP (Arts : Pratiques & Poétiques), HCA (Histoire et Critique des Arts) et PTAC (Pratiques & Théories de l’Art Contemporain). L’objectif d’ALEF est de mener une recherche interdisciplinaire, exigeant la confrontation de méthodologies et de bases bibliographiques différentes. À partir d’une notion transdisciplinaire commune il s’agit d’observer des glissements méthodologiques et théoriques entre les différentes disciplines qui composent le groupe de recherche, en vue d’en dépasser les divergences disciplinaires et d’envisager la notion dans une perspective transversale.

À l’issue de précédents cycles de recherche, deux ouvrages ont été élaborés par les membres successifs d’ALEF : Archive(s) & création(s) en 2019 et L’Enquête en partage et ses forces diagonales actuellement en cours de publication.

Publication « Archive(s) & Création(s) »

Les travaux transdisciplinaires réalisés par les membres d’ALEF entre 2012 et 2014 sur l’articulation de la notion d’archive avec la création artistique sont l’objet d’une publication.

L’ouvrage, intitulé Archive(s) & création(s), est paru en septembre 2019 dans le cadre éditorial de la revue TransversALL, lancée par l’École doctorale Arts, Lettres, Langue de l’Université Bretagne Loire.

Félicitations aux directrices et directeurs de l’ouvrage : 

  • Dimitri KERDILES, docteur en musicologie, Université Rennes 2.
  • Simon DANIELLOU, docteur en études cinématographiques,
  • Université Rennes 2.
  • Marie BULTÉ, maître de conférences en littérature francophone, Université de Lille.
  • Romain COURAPIED, docteur en littérature française, Université Rennes 2.
  • Jeanne LE GALLIC, docteure en études théâtrales, Université Rennes 2.

L’ouvrage est disponible en accès libre à cette adresse : « Archive(s) & création(s) »

 

Table des matières

Introduction par Dimitri Kerdiles

Partie I. Politiques contemporaines de l’archive

  1. Patrice Marcilloux, Les archives, l’archive : les mots et les choses aujourd’hui
  2. Alexandre Serres, De la trace à l’archive : repères pour penser la question des traces à l’heure du numérique
  3. Jérôme Allain, La recherche à travers les notions de “désordre” et d’ “absence” du répertoire
  4. Emilie Blanc, Herstories : les archives du collectif artistique féministe Double X (Los Angeles, 1975-1985)
  5. Romain Courapied, L’autobiographie homosexuelle et la patriarchive

Partie II. De l’archive à l’œuvre

  1. Séverine Leroy, Archives et création sonore : quelles modalités d’association ?
  2. Lise Lerichomme, Restauration et captation du support : des modèles structurels pour penser la relation des artistes contemporains aux archives

Parti III. La fiction comme archive

  1. Alice Vennemann, De l’hyper-réalité au post-documentarisme ? Mutations du théâtre contemporain de langue allemande
  2. Pierre-Yves Macé, Different Trains ou la fiction documentaire
  3. Marie Bulté, Les Aubes écarlates de Léonora Miano : contre l’oubli de l’histoire, des archives à réinventer
  4. Eric Thouvenel, Initials MM (Marilyn chez les autres)

Aux confins de l’enquête – séance 6 : Les déchets de l’enquête & conclusion

Cycle 2 – Séance 6 – Jeudi 24 novembre 2016 : Les déchets de l’enquête

Séance coordonnée par Hélène Heyraud (Histoire de l’art, Rennes 2) et Mathilde Dumontet (Études théâtrales, Rennes 2)

Que reste-t-il des d’une enquête qui ne soit pas transformé en preuve ? Que nous disent sur l’enquête et sa vision du monde ces traces, restes, vestiges, résidus, mis de côté ? Proche du rebut, comment le déchet interroge-t-il les notions d’exclusion, de marge, de perte, d’oubli, de silence et de béance propres à toute enquête ?

Marie Druais (Histoire de l’art – Rennes 2) : Gestes et culture populaire autour de la mort en Bretagne aux XVIe et XVIIe siècles : la difficile relation aux sources.
Marion Denizot (Études théâtrales – Rennes 2) : L’historien et ses rebuts : une histoire de contraintes.
/!\ Marion Denizot n’a malheureusement pas pu être présente lors de cette dernière séance.
Gaëlle Debeaux (Littérature – Rennes 2) : Synthèse conclusive des deux années de séminaires sur l’enquête

Marie Druais (Histoire de l’art – Rennes 2) : Gestes et culture populaire autour de la mort en Bretagne aux XVIe et XVIIe siècles : la difficile relation aux sources.

Marie Druais est doctorante en histoire de l’art, spécialiste de la mort en Bretagne aux XVIe et XVIIe siècles. Dans son travail de thèse, sur lequel s’appuie son intervention, elle a choisi l’angle de l’iconologie et à sa suite, celui de l’histoire des mentalités, dite aussi histoire culturelle. Sa communication porte sur les gestes liés à la mort et la difficile relation aux sources de l’historien face à ce sujet.

Après une introduction sur les travaux d’Aby Warburg et d’Erwin Panofksy consacrés à l’iconologie (acceptée aujourd’hui sous le terme d’iconographie), le propos se concentre sur la réception des images de la mort par les paroissiens, principaux concernés par ces représentations. Pour évaluer les relations entretenues entre l’image et le récepteur, les sources écrites anciennes sont le plus souvent convoqués.
L’enquête historique se complexifie quand se pose la question desdites sources : la culture populaire d’alors était majoritairement orale. De nouvelles méthodes de recherche ont dû être établies par les représentants de la Nouvelle Histoire pour questionner les sociétés dans leur ensemble, et non plus seulement l’histoire de l’individu. L’existence de sources orales permet de questionner les creux laissés par les sources écrites et interrogent la vérité unilatérale de celles-ci.
Au XIXe siècle, les intellectuels de l’Europe entière œuvrent pour préserver la culture populaire orale en la recueillant en l’état, l’élevant ainsi au rang d’objet d’étude avec ses méthodes et ses critiques propres. Cette histoire orale résiste cependant difficilement à l’histoire méthodique du XXe siècle, qui considère les éléments de la culture populaire comme peu fiables et de peu d’intérêts pour une histoire évènementielle, dite la « Grande Histoire ». L’école des Annales, évoluant vers l’histoire culturelle sous le nom de « Nouvelle Histoire », permet ainsi l’étude de la culture populaire des siècles antérieurs, dans laquelle les travaux sur la mort et les gestes liés tiennent une place privilégiée.
Alain Croix et Eva Guillorel, historiens de formation, s’intéressent aux répertoires de chants tragiques bretons, nommés gwerzioù, comme sources pour l’histoire culturelle. Alain Croix liste les différentes sources écrites existantes, qui soulèvent trois problèmes majeurs : premièrement, ces sources privilégient les élites sociales et culturelles ; deuxièmement, la part du conformisme social ainsi que l’influence est difficile à évaluer, de plus, les éléments s’éloignant de l’orthodoxie catholique sont le plus souvent absents ; troisièmement, ces documents sont des sources indirectes, incluant une part d’interprétation et une possible déformation du sens. Les sources écrites concernant la connaissance des gestes doivent ainsi faire l’objet d’une certaine attention critique et certains éléments qu’elles contiennent peuvent devenir des « déchets » de l’enquête.
Cependant, les sources recueillies au XIXe siècle, issues de témoignages oraux contemporains, pourraient venir compléter les sources écrites. Elles sont notamment composées de nombreux mystères (pièces de théâtre de composition savante en langue vernaculaire), de divers chants, de témoignages provenant des récits de voyage et de légendes, etc. Eva Guillorel suggère de soumettre ces sources issues de l’oralité à la critique pour comprendre les conditions de la collecte, le choix des lieux de collecte et des informateurs et questionner le problème de la provenance initiale, de la transmission ainsi que de la véracité du chant. Pour le Bretagne, contexte de l’étude, deux avantages existent : c’est une région qui a bénéficié d’une récolte et d’un récolement rigoureux et abondant, et les gwerzioù, décrivant des faits tragiques à caractère local avec un important souci du détail, possèdent les caractéristiques nécessaires pour une analyse historique. Cependant, l’exploitation de ce corpus reste exceptionnelle, et les sources concernant les croyances et les pratiques relatives à la mort aux XVIe et XVIIe siècles restent relativement muettes…
Alain Croix vient ainsi en aide au chercheur avec sa méthode des « ponts chronologiques », aussi appelée « méthode régressive », qui lui permet de passer du XIXe siècle aux XVIe et XVIIe siècles sans trop de risques, grâce à la similitude de certains gestes, et en utilisant une documentation chronologique intermédiaire. Alain Croix distingue cinq types d’exemples : les traces continues avec interprétation tardive ; les traces discontinues avec une interprétation sommaire ancienne ; les traces discontinues avec une interprétation ancienne satisfaisante ; les pratiques attestées aux périodes anciennes et n’ayant plus traces au XIXe siècle ; et enfin, l’absence de traces anciennes d’un geste relevé au XIXe siècle.
C’est ce dernier type d’exemples que Marie Druais cherche à interroger dans son travail. Pour se faire, elle a opté pour une recherche en biais, dans les archives d les procès de sorcellerie, dans lesquels elle fait l’hypothèse de trouver des informations concernant les gestes liés de la mort. Ces procès concernant des gestes profanes en dehors de l’orthodoxie s’avèreront potentiellement être des indicateurs de cette relation à la mort.

Les déchets de l’enquête sont nombreux concernant ce sujet d’étude. L’enchevêtrement des données, provenant de sources extrêmement diverses, est problématique puisqu’un grand nombre d’éléments inexploitables en résultent. Les images pourraient ainsi renseigner le chercheur, mais celles-ci demeurent aussi relativement muettes, tant la forme choisie est synthétique. Il faut alors utiliser des moyens détournés, utiliser « tout ce qui n’est pas l’image ». Ainsi, Marie Druais conclut : « Comprendre les gestes populaires bretons concernant la mort, afin d’entrevoir la nature symbolique des images de la mort, est une enquête difficile et complexe, qui implique également d’apprendre à composer avec ses déchets, quels qu’ils soient. »

Gaëlle Debeaux (Littérature – Rennes 2) : Synthèse conclusive des deux années de séminaires sur l’enquête

L’intervenante commence par rappeler le postulat définitionnel des séminaires : prendre l’enquête comme modalité d’appréhension du monde qui repose sur la découverte d’indices utilisés pour reconstituer une chaine causale expliquant rationnellement les phénomènes du réel. Or, à partir du XXe siècle, l’art remet en cause la faculté de l’enquête à ordonner le réel. Si le premier séminaire visait à dessiner un panorama des différents espaces où enquête et art se confrontent (processus de création, fiction, réception, critique), les interventions ont rapidement montré que les artistes s’emparaient le plus souvent du modèle de l’enquête pour le détourner, allant jusqu’à le faire dysfonctionner. Cette orientation, assumée lors du deuxième séminaire, problématise l’enquête en tant que « forme, modèle à évider et réinvestir, afin d’en montrer les excès, les violences, les dérives possibles »(Gaëlle Debeaux).
Après une introduction qui retrace le cheminement des réflexions à l’origine de la fabrication de deux années de séminaire, Gaëlle Debeaux met en lumière les thématiques et questionnements des différentes interventions.
Son premier point met en exergue une opposition entre enquête et art relevée par les interventions d’Hervé Lacombe, Alexandre Dupont ou bien encore Vincent Escalle. Les deux auraient un principe de base commun – utiliser ce qui fait obstacle à la compréhension du monde – mais se distingueraient sur le résultat souhaité : le premier cherche à remettre de l’ordre là où le second, surtout au XXe siècle, s’intéresse plus au « trouble dans l’expérience » (Alexandre Dupont).
Si la linéarité de l’enquête est souvent remise en cause par les pratiques artistiques, le motif lui reste très fécond dans les œuvres à portée narrative (comme l’ont montré les interventions d’Alice Forge, Alice Jacquelin, Victoria Lagrange). Travailler à partir de l’imaginaire commun de l’enquête permet plus aisément de jouer avec ces codes intégrés par les lecteurs-spectateurs.
Mais c’est surtout l’enquête comme processus, et en particulier comme processus de recueil de l’information, qui semble intéresser les artistes. Recueil et lecture de l’information qu’ils cherchent à complexifier le rapport au réel en montrant par exemple son aspect rhizomatique, démultiplié (interventions de Sophie Lorgeré, Clara Hédouin, Elise Wiener).
Ainsi, la résolution n’est plus le point saillant de l’enquête. Majoritairement les artistes étudiés font en sorte de déjouer la fin en rendant la lecture totale impossible (intervention de Gaëlle Debeaux) ou en proposant plusieurs résolutions possibles (Brice Evain). L’inachèvement de l’enquête peut être ludique (le texte n’impose plus sa réponse mais propose), mais aussi recourir un aspect plus pessimiste en soulignant l’impossibilité de donner sens au monde (Geneviève Dragon, Victoria Lagrange), ou encore être initiatique (Clara Hedouin).
L’enquête semble alors surtout être paradoxalement utilisée pour renforcer l’opacité du monde. C’est alors que les images de rhizome, labyrinthe, bobine de fils, reviennent dans de nombreuses interventions. Etudier les processus de tissages et d’interactions devient alors nécessairement le parti pris de certains chercheurs (Martin Givors). Apparait aussi la dialectique entre la surface et la profondeur, qui met en exergue l’idée d’un sens caché inaccessible (Quentin Montagne, Barbara Servant).
Certains artistes, ne se satisfaisant pas de montrer ou de jouer avec les faiblesses de l’enquête, menacent cette modalité de représentation du monde en proposant de fausses enquêtes, brouillant les frontières entre fiction et réalité (Estelle Mouton Rovira, Charline Pluvinet, Louise Couturier, Laurence Corbel, Magali Alphand). L’artiste s’empare de l’enquête pour manipuler le récepteur en utilisant l’aura de vérité dont elle bénéficie.Ces dérives permettent ainsi parfois d’ouvrir l’œuvre d’art sur une forme de rêverie qui se rapprocherait alors de la quête (Laurence Corbel, Guillaume Linard Osorio, Vincent Escalle).
Pour terminer ce tour d’horizon, Gaëlle Debeaux revient sur les interrogations épistémologiques de la posture de chercheur et la distinction entre recherche et enquête. L’enquête du chercheur, contrairement à celle de l’artiste, tenterait de combler un manque, par exemple pour reconstituer une œuvre perdue (Hervé Lacombe, Mathilde Dumontet, Gaspard Salatko, Lou Cantor). Certaines interventions soulignent alors l’influence de la sensibilité du chercheur dans sa propre enquête (Lou Cantor, Joël Kerouanton, Martin Givors). Gaëlle Debeaux conclut sur la relation oblique entre l’approche artistique qui met au jour les ambivalences de l’enquête et l’enquête sur la pratique artistique qui vient installer du « jeu », au sens mécanique, au sein de l’œuvre. Ainsi, l’enquête en art serait plutôt un geste inquiet, non stable.

Aux confins de l’enquête – séance 4 – Violence(s) de l’enquête

Cycle 2 – 19 février 2016 : Violence(s) de l’enquête

Séance coordonnée par Hélène Heyraud (Histoire de l’art, Rennes 2) et Gaëlle Debeaux (Littérature comparée, Rennes 2).

L’enquête est-elle nécessairement liée à la violence, et si oui, quelles sont les différentes formes de violence liées à l’enquête ? En quoi l’enquête, comme discours d’autorité ou discours autoritaire, suppose-t-elle une violence symbolique ou idéologique ? Comment questionner artistiquement l’autorité de l’enquête ?

Victoria Lagrange (Littérature comparée, Université de Poitiers) : Violence et enquête policière dans la réécriture des contes de Grimm.

Jil Daniel (Esthétique, Université Rennes 2) : 68 d’hier et 68 d’aujourd’hui, ou comment gérer la récupération politique d’une insurrection, cas spécifique de la pratique graphique.


Victoria Lagrange, « Violence et enquête policière dans la réécriture des contes de Grimm »

Victoria Lagrange est en première année de doctorat en Littérature comparée à l’Université de Poitiers sous la direction de M. Denis Mellier (laboratoire FoReLL). Elle travaille sur les réécritures contemporaines des contes de Grimm. Ancienne élève de l’Ecole Normale Supérieure de Lyon, elle a réalisé deux mémoires en littérature comparée sous la direction de M. Henri Garric : « L’identification au personnage violent en littérature et au cinéma » et « Rire et horreur dans les adaptations cinématographiques d’Edgar Allan Poe ».

        Victoria Lagrange propose, à partir d’un corpus contemporain de reprises des contes de Grimm à la fois littéraire (Fables, Bill Willingham, Marc Buckingham, Saint-Laurent- du-Var, DC Comics, en cours), télévisé (Grimm, David Greenwalt et Jim Kouf, USA, NBC, en cours, et Once Upon a time, Edward Kitsis et Adam Horowitz, USA, ABC, en cours) et vidéoludique (The Wolf among us, Telltale Games, 2013), de penser la « reconfiguration narrative des contes » à partir du schéma de l’enquête. Elle rappelle en préambule le rôle fondateur de La Compagnie des loups d’Angela Carter, paru en 1979 : c’est à partir de cette œuvre pivot que les réécritures des contes de Grimm se détournent de la question de la moralité pour s’orienter vers  des éléments plus sombres comme une attirance pour les crimes et l’interdit et une érotisation de la violence. Ce corpus permet d’interroger la raison conduisant à l’investissement de l’enquête policière comme schéma de réécriture, faisant basculer d’une violence morale vers une violence criminelle. Plus encore, Victoria Lagrange se demande si l’enquête est une façon de transposer les contes dans le monde contemporain, en coïncidant avec une habitude de réception, ou s’il faut la voir comme le vecteur de création d’un monde hybride, moitié merveilleux, moitié policier.

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