Aux confins de l’enquête – séance 4 – Violence(s) de l’enquête

Cycle 2 – 19 février 2016 : Violence(s) de l’enquête

Séance coordonnée par Hélène Heyraud (Histoire de l’art, Rennes 2) et Gaëlle Debeaux (Littérature comparée, Rennes 2).

L’enquête est-elle nécessairement liée à la violence, et si oui, quelles sont les différentes formes de violence liées à l’enquête ? En quoi l’enquête, comme discours d’autorité ou discours autoritaire, suppose-t-elle une violence symbolique ou idéologique ? Comment questionner artistiquement l’autorité de l’enquête ?

Victoria Lagrange (Littérature comparée, Université de Poitiers) : Violence et enquête policière dans la réécriture des contes de Grimm.

Jil Daniel (Esthétique, Université Rennes 2) : 68 d’hier et 68 d’aujourd’hui, ou comment gérer la récupération politique d’une insurrection, cas spécifique de la pratique graphique.


Victoria Lagrange, « Violence et enquête policière dans la réécriture des contes de Grimm »

Victoria Lagrange est en première année de doctorat en Littérature comparée à l’Université de Poitiers sous la direction de M. Denis Mellier (laboratoire FoReLL). Elle travaille sur les réécritures contemporaines des contes de Grimm. Ancienne élève de l’Ecole Normale Supérieure de Lyon, elle a réalisé deux mémoires en littérature comparée sous la direction de M. Henri Garric : « L’identification au personnage violent en littérature et au cinéma » et « Rire et horreur dans les adaptations cinématographiques d’Edgar Allan Poe ».

        Victoria Lagrange propose, à partir d’un corpus contemporain de reprises des contes de Grimm à la fois littéraire (Fables, Bill Willingham, Marc Buckingham, Saint-Laurent- du-Var, DC Comics, en cours), télévisé (Grimm, David Greenwalt et Jim Kouf, USA, NBC, en cours, et Once Upon a time, Edward Kitsis et Adam Horowitz, USA, ABC, en cours) et vidéoludique (The Wolf among us, Telltale Games, 2013), de penser la « reconfiguration narrative des contes » à partir du schéma de l’enquête. Elle rappelle en préambule le rôle fondateur de La Compagnie des loups d’Angela Carter, paru en 1979 : c’est à partir de cette œuvre pivot que les réécritures des contes de Grimm se détournent de la question de la moralité pour s’orienter vers  des éléments plus sombres comme une attirance pour les crimes et l’interdit et une érotisation de la violence. Ce corpus permet d’interroger la raison conduisant à l’investissement de l’enquête policière comme schéma de réécriture, faisant basculer d’une violence morale vers une violence criminelle. Plus encore, Victoria Lagrange se demande si l’enquête est une façon de transposer les contes dans le monde contemporain, en coïncidant avec une habitude de réception, ou s’il faut la voir comme le vecteur de création d’un monde hybride, moitié merveilleux, moitié policier.

        Comment en effet réécrire des histoires aussi familières que celles que racontent les frères Grimm ? La réécriture policière mêle de fait dans le corpus envisagé univers merveilleux et univers du polar, pratiquement antithétiques – le premier échappant aux lois de la raison qui semblent gouverner le second. La forêt, lieu emblématique du conte, est en ce sens symbolique : lieu d’initiation, espace de la quête, elle constitue la frontière mystérieuse que l’enquête policière explore (comme Alice Jacquelin avait aussi pu l’évoquer lors de la première séance). Dans Once Upon a Time, elle est la barrière séparant Storybrook, l’univers des personnages du conte, du reste du monde, et se retrouve de façon explicite ou implicite dans presque toutes les scènes de la série, comme en témoigne par exemple le papier peint dans le bureau de Regina, maire de la ville. Dans Grimm, la plupart des meurtres ont lieu dans la forêt, qui devient ainsi l’espace de la transgression. Toutefois, ces séries s’emparent aussi de la ville, usuellement reconnue comme l’espace propre du roman policier. Fables par exemple se déroule à New York, Grimm à Portland, et la petite ville de Storybrook est caractéristique des villes moyennes américaines. Dès lors, la forêt contamine la ville de sa magie, et les enquêteurs tentent de rationaliser l’espace sylvestre.

        Le choix de la série – télévisée, en bande-dessinée – semble le plus à même de permettre une actualisation des contes : en effet, chaque épisode reprend la trame narrative d’un conte différent mais l’ensemble est lié par la présence d’une « structure modulaire ». Ces réécritures tendent donc vers la série-feuilleton typique des années 1980. Toutefois, Victoria Lagrange montre que les univers construits font cohabiter différents personnages et que cette cohabitation, étrangère aux récits initiaux, est due à un acte de violence fondateur, qui « déclenche une nouvelle combinaison des personnages ». Ce même univers noir happe le joueur de The Wolf among us, jeu adapté de Fables : la violence en contamine dès lors l’univers.

        Un élément fort permet de rassembler les œuvres étudiées dans ce corpus : la présence de la figure du Grand Méchant Loup, devenu enquêteur, alors même que dans les contes il représente l’archétype du mal. Ce basculement conserve une ambiguïté exploitée par les œuvres : ainsi, dans The Wolf among us, il est possible pour le joueur, qui incarne le Loup enquêteur, de faire preuve de violence – le titre le suggère d’emblée. Ces fictions exploitent la force impliquée par la violence de la figure du Loup : le plus puissant, c’est aussi le seul à pouvoir maintenir l’ordre. Plusieurs personnages secondaires, dans Grimm ou Once upon a Time, sont ainsi des êtres doubles, mi-homme mi-loup : Monroe dans Grimm, loup végétarien, ou Scarlett dans Once upon a Time, Chaperon rouge loup-garou. Victoria Lagrange montre que le loup devient enquêteur au prix d’une exagération de la posture d’enquêteur : celle-ci vaut pour une rédemption.

        Plusieurs types de violence cohabitent dans ces œuvres, donnant lieu à plusieurs formes d’expression esthétiques. Les contes sont un réservoir de violence – celle du père prêt à décapiter ses enfants, celle d’Hansel et Gretel jetant la sorcière dans le four – et cette violence a les traits de la furor : elle est pulsion, et cette représentation de la pulsion ouvre vers la catharsis. Dans le roman policier, on pourrait plutôt voir une forme de violence rationnalisée : l’enquête vise à dévoiler le crime et à résorber cette violence. Dans les réécritures étudiées par Victoria Lagrange, un élément fondamental est à prendre en compte : le passage du littéraire à la représentation graphique, qui fait basculer la violence vers une forme d’ultra-violence – on peut penser à Orange Mécanique de Kubrick – courant le risque d’empêcher la catharsis. Ainsi, la violence peut être objet érotisé dans les œuvres envisagées, comme dans la reprise de Barbe Bleue par Angela Carter.

        La violence qui devient vecteur de jouissance chez Angela Carter constitue un acte fondateur pour les réécritures postérieures : plusieurs déclinaisons de la violence apparaissent donc, manipulation, vengeance, pouvoir absolu… Fables choisit de représenter une violence extrême, des bains de sang qui semblent pouvoir être l’œuvre de chacun des personnages, tandis que dans The Wolf among us, c’est le joueur lui-même qui peut laisser libre cour à ses pulsions destructrices. Ainsi, Victoria Lagrange constate dans son corpus la cohabitation de deux formes de violence, cathartique et répulsive, cette répulsion entraînant une prise de distance voire une lecture parodique de la part du spectateur qui n’est pas nécessairement présente dans les œuvres. On penche alors du côté du kitsch de la série B, notamment dans Grimm. Dans Fables, les excès de violence sont parfois ouvertement comiques, dans un plaisir du détournement des codes du conte et du policier.

       Victoria Lagrange conclut sur l’espace nouveau constitué par ces réécritures des contes de Grimm, mettant en tension merveilleux et policier : cette tension questionne la violence et sa représentation, entre pulsion, résorption et répulsion, comme s’il s’agissait pour ces reprises de « rendre les contes aux adultes ».

Jil Daniel, « 68 d’hier et 68 d’aujourd’hui, ou comment gérer la récupération politique d’une insurrection, cas spécifique de la pratique graphique »

Graphiste depuis 2011 et doctorant depuis septembre 2015, Jil Daniel travaille globalement sur la place des images dans les mouvements sociaux en s’arrêtant plus précisément sur le cas des ateliers populaire de 1968 et après. Il s’intéresse moins aux aspects graphiques qu’aux pratiques et aux postures théoriques.

       Jil Daniel propose lors de cette communication de déconstruire le discours dominant à partir duquel le « mythe de Mai 68 » s’est construit, notamment lors du mouvement social à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Jil Daniel entend ainsi l’enquête comme nous proposions de la concevoir lors de ce second séminaire, à savoir, à la suite des travaux de Boltanski (Énigmes et complots : Une enquête à propos d’enquêtes, Paris, Gallimard, NRF essais, 2012), l’enquête comme outil à même de rétablir une chaîne de causalité rationnelle qui permette de comprendre et de résorber les instabilités du monde. L’enquête est ainsi comprise comme apposant un discours sur le réel qui, comme le soutient Arlette Farge, « a beau sembler être là, visible et préhensible, […] ne dit en fait rien d’autre que lui-même » (Le Goût de l’archive, Paris, Éditions du Seuil, 1989, p. 19). Ce discours sur le réel, l’enquête donc, se donne ainsi pour tâcher de garantir une stabilité, gage de l’unité sociale. C’est dans cette optique de stabilité et d’unité sociale que s’est construit le « mythe de Mai 68 », ne reflétant qu’une partie des évènements sociaux, particulièrement ceux étudiants, occultant ou minimisant l’engagement ouvrier.

        Si les documents sur Mai 68 sont pléthoriques, cet événement se construit médiatiquement comme récit historique à partir des interprétations subjectives des médias et des récits a posteriori. Le récit actuel sur le printemps 1968 est ainsi un discours sur soi plus que sur les évènements vécus, ce qui permet de questionner la fidélité du discours médiatique aux faits historiques. Par exemple, la parole médiatique est occupée, aujourd’hui encore lors des commémorations, par les leaders étudiants d’alors ou présentés comme tels.

        La production iconographique accompagnant cette parole médiatique fait du mouvement une sorte d’album, faisant parfois écran aux discours historiques. L’iconographie utilisée alors est aussi une iconographie convoquée a posteriori et créant ainsi un phénomène d’éclipse, mettant dans l’ombre paroles et iconographies annexes.

        Aujourd’hui, il ressort que les ateliers populaires sont issus de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris à partir de la mi-Mai 1968 et produisent des images quotidiennes, estimées à plusieurs centaines sur un mois et demi. Ces lieux sont par ailleurs peu documentés, les plus visibles restant celui de l’École des Beaux-Arts de Paris et des Arts Décoratifs. L’iconographie issue des ateliers populaires connaît une diffusion rapide par son mode d’affichage urbain, local puis national.

        Si ces ateliers populaires semblent s’insérer dans des lieux d’études artistiques, les artistes professionnels, notamment ceux membres du Salon de la Jeune Peinture, apparaissent historiquement comme les figures tutélaires et légitimées de cette forme expressive, à la place peut-être des étudiants et des ouvriers qui auraient participé aux ateliers populaires. Ce sont ces artistes professionnels et politisés qui impulsent le mouvement. Cependant, le mythe des ateliers populaires reste fort et construit un idéal d’étudiants-affichistes politisés. Cette mythologie impacte des mouvements sociaux comme l’engagement contre la loi El Khomri lors duquel cette même iconographie est réutilisée et détournée.

        L’anonymat, utilisé pour des motifs idéologiques tels le rejet de l’auteur ou la promotion du pouvoir éducateur du peuple, rend problématique la recherche et l’entretient des acteurs des ateliers populaires de Mai 68. Les affiches n’étant pas signées individuellement, les personnalités admettant aujourd’hui y avoir participé sont des artistes professionnels reconnus, qui valorisent positivement l’impact de ces ateliers sur leurs pratiques artistiques.

        Jil Daniel propose ainsi par sa recherche de ne plus mettre au centre la question de la personnalité constitutive ou participative à ces ateliers, mais plutôt la construction d’un discours médiatisé, idéalisé et mythifié sur ces pratiques, ainsi que l’impact d’un tel discours, tout en cherchant à le déconstruire dans un souci de vérité historique.


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